Skemerkelkresepte, spiritualieë en plaaslike kroeë

Met hierdie nuwe kunsuitstalling kan u die skilderye proe

Met hierdie nuwe kunsuitstalling kan u die skilderye proe



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Hierdie ouens sal kuns skep met al vyf sintuie, maar wat as die skildery meer sout nodig het?

Ons ervaar veral kuns visueel. Die af en toe moderne kunsuitstalling sal ons toelaat om verskillende installasies te hoor en aan te raak, maar wat as ons kuns met al ons vyf sintuie, insluitend smaak, kan ervaar? Tate Brittanje, 'n kunsmuseum in Londen, wat 'n nuwe uitstalling, genaamd Tate Sensorium, wat in die herfs van hierdie jaar oopgemaak word. Dit laat u toe om die uitstallings te sien, te hoor, aan te raak, te ruik en selfs te proe.

Die presiese aard van die uitstallings word onder die hoepel gehou, maar as u u voorstel dat mense stillevensskilderye lek en met die smaak van appels en piesangs wegkom, twyfel ons (ongelukkig) daaraan dat dit wel die geval is. In plaas daarvan, volgens Quartz, sal die museum nuwe interaktiewe tegnologie gebruik om te bepaal hoe ons reaksies op kuns verander wanneer ons verskillende sintuie geaktiveer word.

"Dit is alles effens eksperimenteel, maar dit is ook die rede waarom die wetenskaplikes regtig belangstel om betrokke te raak, want ons sal eintlik baie metings doen oor hoe mense op alles reageer," het Tom Pursey, van Flying Object, die kreatiewe agentskap agter die uitstalling, aan Quartz gesê. 'En vanuit 'n artistieke oogpunt ... as ons u visuele ervaring met hierdie ander vier sintuie op 'n betekenisvolle manier kan aanvul, kan ons miskien u gevoel oor die kuns verander.

Die uitstalling werk saam met nuwe studies wat daarop dui dat nie een van ons sintuie afsonderlik werk nie. Restaurante neem ook kennis van hierdie navorsing: Heston Blumenthal's Die vet eend, byvoorbeeld, bedien een van sy geregte met 'n iPod om die ervaring te verbeter.


Skilderye deur kunstenaar Mitchell Johnson word uitgestal in Pamela Walsh Gallery

In wat in Menlo Park gebaseerde kunstenaar Mitchell Johnson beskryf as 'n groot uitstalling, bied die Pamela Walsh Gallery in Palo Alto aan Kleurkontinuum: geselekteerde werke 1988-2021 van 15 Mei tot 26 Junie. Die openingsontvangs is van 16:00 tot 18:00 op Saterdag, 15 Mei. Die galery is geleë op Ramona St.

Daar is baie vroeëre kleiner skilderye om die konteks van hoe ek by die groot skilderye gekom het, te bou, verduidelik Mitchell. Sommige word geleen uit private versamelings. Sommige gaan na museums. En sommige is te koop. ”

Mitchell se opvoedingsjare as skilder is gevorm by Parsons waar hy sy MFA in 1990 ontvang het. Destyds was Parsons nog vol van baie van Hans Hofmann se voormalige studente: Paul Resika, Larry Rivers, Jane Freilicher, Leland Bell, Neil Blaine en Robert DeNiro, sr. New York was vrugbare grond vir 'n jong skilder, en Mitchell het van al hierdie kunstenaars geleer.

Tussen Parsons, die NY -museums en klein werk vir Frank Stella en Sol LeWitt, het Mitchell begin om sy artistieke praktyk te ontwikkel en sy stem as skilder te vind. Sy vroeë werk wissel van suiwer abstrakte komposisies en figure tot representatiewe landskappe wat deurspek is met Europese tradisies.

In die herfs van 1990 het Mitchell se lewe 'n dramatiese koerswisseling verander toe hy 'n pos as ateljee -assistent van Sam Francis in Palo Alto aangebied is. Hy het New York na die Weskus verlaat en die verleidelike lig van Kalifornië ontdek. Die verandering van die natuurskoon was onmiddellik duidelik in sy werk. In die 90's het Mitchell bekend geword vir ekspressionistiese, skilderagtige landskappe van Kalifornië en landelike tonele van Europa.

In die vroeë 2000's het Mitchell se werk 'n ander duidelike verandering ondergaan namate sy komposisies geword het
meer gedistilleerd en geabstraheerd. Hy beklemtoon voortdurend die waterskeidingsoomblik toe hy 'n besoek aan 'n Josef Albers -uitstalling in 2005 by die Giorgio Morandi -museum in Bologna besoek het, wat begrippe wat hy reeds in sy eie werk geëksperimenteer het, gekristalliseer het.

Brenda Danilowitz, die hoofkurator van die Albers Foundation, het dit die beste saamgevat: '[Mitchell] het besef dat iets merkwaardigs plaasgevind het toe hierdie twee onwaarskynlike kamerade in die kuns mekaar konfronteer. Die uitslag resoneer in Johnson se werk van die afgelope twee dekades: presies en noukeurig gereëlde kleur en vorm speel op 'n verbysterende en veelsydige manier af. " As 'n kunstenaar wat al opgewonde was oor die moontlikhede wat inherent is aan kleur en vorm, het hy blywende inspirasie gevind in die tesame met hierdie kunstenaars wat albei meesters was.

Hy het groot, meetkundige vorms en plat kleurgebiede begin meng in sy stadsgesigte van New York en San Francisco, en later sy strandlandskappe in Cape Cod. Deur gebruik te maak van bekende sienings as steierwerk, ondersoek hy die wisselwerking tussen die konteks van kleur - verskeidenheid en hoe die een kleur met die ander verband hou - en die konteks van vorm.

Vandag werk hy in 'n groot, liggevulde ateljee waarmee hy sy verkenning van kleure in natuurlike lig kan verdiep en op grootskaalse doeke kan werk. Sy nuutste skilderye is helder, gewaagde, verteenwoordigende beelde van Cape Cod, New York, Kalifornië, Europa en kleurvolle, meetkundige abstraksies.

“ Van 345 Stockton, ” 2021 20 吘 duim olie/doek. Geverf in die winter 2021. Beeld met vergunning van Pamela Walsh Gallery foto van Mitchell Johnson met vergunning van die kunstenaar


Kuns (nuwe horisonne)

Kunswerke is skilderye en beeldhouwerke wat by Jolly Redd's Treasure Trawler gekoop kan word en aan die museum geskenk kan word, mits dit nie vervals is nie. Deur die eerste stuk aan die museum te skenk, kan Blathers die museum uitbrei, wat 'n dag van konstruksie verg.

In Nuwe horisonneDie ware en gesmede stukke lyk anders, sodat die speler dit kan identifiseer voordat hy dit koop. Daar is 14 stukke wat altyd eg is, maar die meerderheid het 'n vervalste weergawe.

Soms kan manlike dorpenaars 'n kunswerk aan 'n inwoner stuur. Jock en Lazy dorpenaars kan enige kunswerke stuur, wat eg of vals kan wees. Kranksinnige dorpenaars kan beeldhouwerke stuur, wat eg of vals kan wees. Selfvoldane dorpsbewoners stuur slegs vals stukke na die speler. Ώ ] Vroulike dorpenaars, ongeag hul persoonlikheid, sal geen kuns na die speler stuur nie.

Vervalste kuns kan nie by Nook's Cranny verkoop word nie, en dit moet aan 'n dorpenaar gegee word of in 'n asblik gegooi word om daarvan ontslae te raak.

Jolly Redd's Treasure Trawler het vier ruimtes vir kuns, wat elkeen verskillende soorte kuns kan vertoon. Die gleuf agter-links mag enige skildery bevat; die gleuf voor-links mag klein skilderye bevat, slegs die middelste gleuf mag klein skilderye of klein beelde bevat, en die gleuf agter-regs kan enige kunswerk bevat. Aangesien dit die enigste gleuf is wat groot beelde bevat, is dit aansienlik skaarser as ander kunswerke.

Elke keer as Redd besoek, is daar 'n kans van 20% dat 'n kunswerk wat nie aan die speler se museum geskenk is nie, gedwing word om te kuit.


Met hierdie nuwe kunsuitstalling kan u die skilderye proe - resepte

Sommige besoekers aan die Crocker Art Museum in Sacramento kan eenvoudig nie hulself help as hulle gekonfronteer word met die weelderige, rye bedekte pasteie nie. Daar is gesien dat vingers die impasto -meringue vee, so nou beskerm 'n onmerkbare laag plexiglas die ikoniese skildery uit 1961 Pasteie, pasteie, pasteie deur die bekende en geliefde kunstenaar Wayne Thiebaud, wat naby woon.

Die skildery is een van 100 Thiebaud -werke wat deur die Crocker saamgestel is in 'n uitstalling ter viering van Thiebaud se 100ste verjaardag vroeër hierdie maand. As u die skildery persoonlik sien, word die versiersel 'n “ -voorwerprym ” vir die regte ding, Thiebaud slaan die olieverf letterlik soos ryp voordat hy dit aanbring. U wil aan die pasteie raak, sê Scott Shields, mede -direkteur en hoofkurator van die museum. Hulle is tasbaar en hulle lyk lekker. ”

Die pasteie is verteenwoordigend van die werk van Thiebaud in die loop van sy dekades se werk, en hy het allerhande nageregte, sowel as landskappe, straatbeeld, portrette en hansworse geskilder. Hy is bekend vir sy nostalgiese, ernstige uitbeeldings van alledaagse voorwerpe, wat dikwels met 'n droë verstand weergegee word. Sy werk lê in die versamelings van die Smithsonian, sowel as MOMA, die Whitney, SF MOMA en die Los Angeles County Museum of Art, en ander. Ondanks sy kommersiële sukses, stoot Thiebaud steeds die grense, ” sê Virginia Mecklenburg, senior kurator van 20ste-eeuse kuns by die Smithsonian American Art Museum.

/> Wayne Thiebaud, Waatlemoen en mes, 1989. Pastel op papier. (Crocker Art Museum, geskenk van die kunstenaarsfamilie, 1995.9.30. © 2020 Wayne Thiebaud / Gelisensieer deur VAGA by Artists Rights Society (ARS), NY) Wayne Thiebaud, Strikdasse, 1993. Kleur litografie met die hand gewerk met pastel. (Crocker Art Museum, geskenk van die kunstenaarsfamilie, 1995.9.38. © 2020 Wayne Thiebaud / Gelisensieer deur VAGA by Artists Rights Society (ARS), NY) /> Wayne Thiebaud, Boston Cremes, 1962. Olie op doek. (Aankoop van Crocker Art Museum, 1964.22. © 2020 Wayne Thiebaud / Gelisensieer deur VAGA by Artists Rights Society (ARS), NY)

Verlede week het die Crocker vir 'n onbepaalde tyd gesluit weens openbare gesondheidsbeperkings wat weens die Covid-19-pandemie ingestel is. Die heerlikheid van Thiebaud wag lekker op die mure. Dit is jammer, want net soos om in 'n bakkery in te gaan om die geurige suiker en warm brood in te asem, word die eetproses versterk, aangesien Thiebaud se meringue persoonlik 'n ervaring bied wat nie herhaal kan word nie 'n tweedimensionele druk. Intussen laat die Crocker egter aanlyn besoekers toe om deur elke prent in die uitstalling te blaai en het hy 'n virtuele toer deur Shields op YouTube aangebied.

Thiebaud self het die uitstalling gesien enkele dae voor die vertoning middel Oktober begin het. Hy het ingekom en dit geseën, ” sê Shields. Ons beloof almal om 20 meter van hom af te bly. Ten spyte van sy roem en die miljoene dollars wat sy skilderye op 'n veiling opdoen, stel Thiebaud hom voor as 'n eenvoudige en selfvernietigende persoon. In 'n onderhoud vertel hy van die meer as 500 verjaardagkaartjies en briewe wat aan hom gestuur is, en ons het baie daarvan gekry. Ek was so dankbaar dat mense dit gedoen het. Ek voel nooit dat ek dit verdien nie. ”

En hoe het hy sy honderdjarige verjaardag deurgebring? Ek het in my pyjamas en my badjas gebly en niks gedoen nie, behalwe om goeie telefoonoproepe van mense te ontvang.

Op 100 bly Thiebaud aktief en speel verskeie kere per week tennis. “Dit is redelik stadige tennis, maar ons geniet dit, ” sê hy. Ons kom saam met 'n klomp ander ou maats uit en speel dubbelspel. ” Hy ry steeds bedags en het pas sy lisensie vir nog 'n jaar hernu. Op die pad sien hy motors met die spesiale kenteken wat hy ontwerp het, wat die son op die Stille Oseaan sien sak met 'n ry palmbome langs die oewer. Verkope sedert 1993 het $ 25 miljoen verdien vir die California Arts Council. Thiebaud lag toe hy gevra word of sy motor die bord dra. “Nee, ” sê hy. Ek sal skaam wees. ”

'N Kentekenplaat met Thiebaud se kunswerk daarop. (Met vergunning van California Arts Council)

Die belangrikste is dat hy byna elke dag skilder. Die meeste ernstige skilders skilder die hele tyd. Jy moet soveel skilder om so min te kry, ” sê hy.

Skildery is 'n baie, baie moeilike ding om te doen, en ons is gelukkig om in die geskiedenis van 'n gemeenskap van skilders te wees. Natuurlik is hulle towenaars en wonderbaarlike werkers. ”

In 1962 het die galery -eienaar van New York, Allan Stone, die loopbaan van Thiebaud geloods deur hom 'n solo -vertoning te gee, en hoewel Thiebaud dikwels beskou word as 'n deel van die Pop Art -beweging van die vroeë jare, het sy nageregwerk dit voorafgegaan. Wayne is in die eerste plek 'n skilder, maar hoewel hy daarteen beswaar maak om met die Pop Art -beweging verbind te word, was hy ook op die grondvloer besig om dit te begin, ” sê Mecklenburg. Hy was in die eerste popkunsvertoning, en dit was sy werk wat die beweging in baie opsigte gedefinieer het omdat hy die gewone voorwerpe van die daaglikse lewe gevier het. ”

Thiebaud in sy Sacramento -ateljee in 1987. (Matt Bult) Sersant Wayne Thiebaud skilder op 'n B-29-vliegtuig in Kalifornië in 1944 (Wayne Thiebaud-papiere, 1944-2001. Archives of American Art, Smithsonian Institution) Thiebaud skets in die versameling van die Archives of American Art. (Wayne Thiebaud-vraestelle, 1944-2001. Archives of American Art, Smithsonian Institution)

Thiebaud verwerp dat hy as 'n popkunstenaar gekategoriseer word omdat hy 'n formalis is, verduidelik Shields, 'n kunsstyl wat geometrie en vorm behep is. Sy beroemde gombalmasjiene werk byvoorbeeld as sirkels binne 'n groter, deursigtige sirkel. En terwyl Andy Warhol en ander hul werk in massa vervaardig het, werk Thiebaud oor elke stuk, met sy hand in elkeen. Daar word selfs aandag gegee aan die spasie tussen voorwerpe: “ Die leë ruimte is net so belangrik en geanimeer soos sy onderwerp, ” sê Shields, en#8220 en soms meer. ”

Nadat Thiebaud sy soet tand op nageregte gesny het, het hy na die straatuitsigte van San Francisco gegaan in die jare '80, beïnvloed deur kunstenaarsvriend Richard Diebenkorn en soortgelyke straatweergawes. Hierdie stukke dra intense vertikaliteit voor, met steil strate wat soos rolle rol. Byvoorbeeld, die perspektief in Straat en skaduwee 1982-83, 1996, sê Shields, dit is onmoontlik, en tog voel dit moontlik. ”

Ander werke in die Crocker-uitstalling bevat portrette wat lyk soos stillewes met mense eerder as vrugte, en landskappe van die Sacramento-delta wat met die oogpunt speel, soos om bome van die kant en van bo in dieselfde werk te sien.

Wayne Thiebaud, Straat en skaduwee, 1982 �/1996. Olie op linne. (Crocker Art Museum, geskenk van die kunstenaarsfamilie, 1996.3. © 2020 Wayne Thiebaud / Gelisensieer deur VAGA by Artists Rights Society (ARS), NY) Wayne Thiebaud, Park Place, 1995. Kleur ets met die hand bewerk met waterverf, gouache, kleurpotlood, grafiet en pastel. (Crocker Art Museum, geskenk van die kunstenaarsfamilie, 1995.9.50. © 2020 Wayne Thiebaud / Gelisensieer deur VAGA by Artists Rights Society (ARS), NY) /> Wayne Thiebaud, Valley Farm, 1993. Sagtegrondkleur ets en akwatint met die hand bewerk met kleurpotlood. (Crocker Art Museum, geskenk van die familie van die kunstenaar, 1995.9.51. © 2020 Wayne Thiebaud / Gelisensieer deur VAGA by Artists Rights Society (ARS), NY)

Sy talent was vroeg reeds duidelik toe hy as kind in Suid -Kalifornië grootgeword het, en Utah Disney het hom as 'n spotprenttekenaar aangestel toe hy 16 was. U het u tekeninge geneem, en as hulle dink dat u redelik goed was, sou u 'n tussenin wees, 'sê hy, 'n taak wat dieselfde beeld telkens oor 'n ligbord moes opspoor en slegs ledemate of gesig verander uitdrukkings. Hy is afgedank omdat hy aan 'n arbeidsstaking deelgeneem het en 84 jaar later dink hy dat ek die vakbondbeweging so lief het vir Amerika. Ek het oor die jare ongeveer vier of vyf pieklyne geloop. ”

Hy werk ook as 'n kommersiële kunstenaar en tekenskilder vir maatskappye soos Sears Roebuck en Rexall Drugs. Iemand het hom geleer om met selfvertroue 'n streep neer te lê, ” sê Shields, met verwysing na die liniaal-reguit horisontale wat Thiebaud se werk dikwels deursny. In 1942 het hy by die lugmag ingeskryf en 'n strokiesprent geteken vir sy nuusbrief, sowel as plakkate ontwerp, films wat moraal bou en meer. Van 1951 tot 1976 het hy skilderkuns gegee aan die Sacramento City College en die Universiteit van Kalifornië, Davis, wat volgens hom uiters belangrik in sy lewe was. Sommige studente wat hy begelei het, het hul eie roem verwerf, soos Mel Ramos en Fritz Scholder. Ek wou 'n kommersiële kunstenaar en illustreerder word, so ek het dit nagestreef totdat ek belangstel in wat hulle beeldende kuns en onderrig noem, sodat dit die manier was waarop ek my grootste deel van my lewe deurgebring het, 'sê Thiebaud.

/> Wayne Thiebaud, Nar met rooi hare, 2015. Olie aan boord, 12 1/8 x 9 in. Privaat versameling. (© 2020 Wayne Thiebaud / Gelisensieer deur VAGA by Artist ’s Rights Society (ARS), NY.)

Sedert 2014 draai Thiebaud se aandag op narre en draai terug na die kinderjare wat hy nog duidelik onthou. Toe ek nog net 'n kind was, omtrent 13, 14 jaar oud, het ons die sirkus met die trein gaan kyk, en as ons gelukkig was, sou hulle ons help om saagsels of water vir die olifante te dra, en #8221 onthou hy. Ons het na die nar gekyk, wat wonderlike mense was. Hulle was nie net akrobate, jongleurs en tuimelaars nie, hulle was verantwoordelik vir die opslaan van die tent, so hulle was baie sterk en baie indrukwekkend, en dit het my vir altyd vasgehou.

Clowns is ongelooflik ingewikkelde dinge, en#8221 merk op Mecklenburg. “ Bozo laat jou lag as jy 'n kind is, maar hulle is ook fundamenteel presteerders van identiteit en persona. Ons het geen idee wie agter al die kunsmatige toegepaste grimering en bolneus sit nie. Byvoorbeeld, in Thiebaud se skilderye van 2017 Nar met 'n tas, vermom 'n man sy nar -identiteit in straatklere, staan ​​met somber gravitas terwyl sy tas met die grootste letters, die woord “Bozo. ”

Baie van sy skilderye bevat verkleiningselemente, dikwels komies, wat 'n noukeurige ondersoek beloon. U wil noukeurig na skilderye kyk, sodat u regtig kan kry waaroor hulle gaan, sê Thiebaud. Ongelukkig, as gevolg van die museumstruktuur en so meer, het mense min tyd om te kyk, dikwels net 'n paar sekondes, en hulle gaan aan, waar mense wat van skilderye hou, so lank as ure na 'n enkele skildery sal kyk en dit ontvou soos film, soos 'n rolprent. ”

Miskien is dit die rede waarom Thiebaud aan stukke bly peuter. In Betty Jean Thiebaud en Book, Die tweede vrou van Thiebaud leun op sy elmboog, blykbaar verveeld deur die kunsboek voor haar. Maar Shields sê die boek was oorspronklik nie daar nie. Thiebaud verander skilderye, sommige kan tot vyf verskillende datums hê. Hy verander hulle oor 'n tydperk van selfs 'n dekade. ”

Daar is vier datums op Tapisserie rok wat Betty Jean wys in 'n rok met 'n uitgebreide patroon: 1976, 󈨖, 󈨗, 2003 — en Shields dink selfs 2020. “ Ek dink hy het geel bygevoeg aan die rand van die bolyf, en#8221 sê hy. Betty Jean, 'n filmmaker en onderwyser wat in baie van Thiebaud se portrette verskyn het, is in 2015 oorlede.

/> Wayne Thiebaud, Betty Jean Thiebaud en Book, 1965 �. Olie op doek. (Crocker Art Museum, geskenk van meneer en mevrou Wayne Thiebaud, 1969.21. © 2020 Wayne Thiebaud / Gelisensieer deur VAGA by Artists Rights Society (ARS), NY)

As ek Thiebaud vra of hy iets anders sou doen, antwoord hy, “ Waarskynlik baie dinge. die hele idee is om jouself te toets, jouself te probeer, om selfs slegte skilderye te maak, of skilderye waarvan jy nie dink dat iemand ooit sal hou nie. Dit is 'n persoonlike, wonderlike ding om te doen, en ek wens dat meer mense dit sou doen. ”

Die uitstalling wat 100 stukke bymekaarbring om die 100 -jarige bestaan ​​van Thiebaud te vier, is onmiskenbaar. 'N Persoon het ingekom en die skilderye gebel ‘-lewensbevestigend, ’ ” gesê Shields. Ek het net gedink dit is 'n goeie manier om oor hulle te dink. ”

"Wayne Thiebaud 100: Paintings, Prints and Drawings" is by die Crocker tot 3 Januarie 2021, waarna dit na Toledo, Ohio Memphis, Tennessee San Antonio, Texas en Chadds Ford, Pennsylvania, reis.


Raak die kunswerk aan: 'n Nuwe tentoonstelling sal al vyf sintuie stimuleer

David Bomberg se 'In the Hold' c.1913-4

Kelly Crow

Hoe is dit om 'n Francis Bacon -skildery te proe? Wenk: Niks soos spek nie.

In 'n poging om rustelose, tegnies vaardige gehore te betrek, gebruik kunsmuseums toenemend onkonvensionele metodes om kunsliefhebbers by hul versamelings betrokke te kry. Die Solomon R. Guggenheim -museum in New York het crowdsourcing -tegnologie gebruik om 'n vertoning van YouTube -video's te reël. Die Brooklyn Museum en Performa, 'n fees van uitvoerende kunste in New York, het die koskunstenaar Jennifer Rubell ingeroep om eetbare kunswerke te skep-insluitend 'n kameragtige kamer waarvan sy mure gevul is met kussings van pienk suikergoed. Tans speel die National Gallery of Art in Londen musiek gekomponeer deur klankkunstenaars geïnspireer deur sekere skilderye in sy versameling.

Op 26 Augustus sal Tate Britain in Londen hierdie eksperimente nog verder neem met 'Tate Sensorium', 'n uitstalling wat 'n kwartet groot Britse skilderye van Bacon, Richard Hamilton, David Bomberg en John Latham sal kombineer met gadgets wat al vyf sintuie stimuleer met behulp van parfuumpuffers, verborge luidsprekers, koue op sjokolade en ultraklankvibrasies.

'Mense dink dikwels aan versamelings as rye werklik ou skilderye', het Tony Guillan, Tate se multimedia -vervaardiger, gesê, maar tegnologie stel ons in staat om meer speels te wees.

Besoekers wat die eerste galery binnekom met Richard Hamilton se collage uit 1964, "Interior II", word deur museumpersoneel aangemoedig om te kyk - maar ook 'n snuifjie moet neem. Hamilton se collage beeld 'n stylvolle vrou uit wat in 'n huis staan ​​met houtvloere en 'n televisiestel. Groot dele van die doek bly egter ongeverf en die TV -skerm toon die moord op Kennedy. Om die onvoltooide huislikheid van Hamilton te versterk, het die museum reukverspreiders in die kamer ingedruk wat reuke uitstraal wat die vrou se vintage haarsproei, skoonmaakmiddels en die geringe kuns van ateljee-gom veroorsaak.


Deel hierdie storie

Mitchell, Conley, lei Jazz tot Game 3-oorwinning oor Memphis, 121-111

MEMPHIS (ABC4 Sports) - Donovan Mitchell sê hy werk terug na sy All -Star -vlak.

Vir die res van die Utah Jazz lyk hy net soos hyself.

Real Salt Lake maak met 1-1 gelykop teen Minnesota United

SANDY, Utah (ABC4 Sports) - As die gelykopuitslag van verlede week teen FC Dallas meer soos 'n oorwinning gevoel het, moes die gelykopuitslag teen Minnesota United Saterdagaand meer soos 'n nederlaag voel.

Minnesota het die gelykopdoel aangeteken toe die bal oor die eindstreep druppel nadat doelwagter Zac MacMath die bal van die agterkant van Niko Hansen afgeslaan en onbewus was, want RSL moes met 'n 1-1 gelykop uitslag tuis afreken.

Motor jaag, agtervolging lei tot arrestasie van 'n voortvlugtige in Utah County

AMERICAN FORK, Utah (ABC4) - 'n Oproep om 'n onbestendige bestuurder in American Fork te stuur, het tot twee jaagtogte gelei, beamptes wat hul wapens afgevuur het en die arrestasie van 'n vlugteling, Saterdag.

Volgens die American Fork Police Department is beamptes na die omgewing van 500 East 300 North in American Fork gestuur vir 'n gesteelde voertuig met aansienlike skade wat oor die hele pad gery het en in die aankomende verkeer.


Moderne tegnologie en die kuns om skilderye te bewaar

Dit is die tweede in 'n reeks artikels oor die kuns om skilderye te bewaar. Lees die eerste hier.

Hy is 'n ragpicker, 'n man wat in die 1860's in die strate van Parys deur die vullis gesoek het en op soek was na lappe om aan papiervervaardigers te verkoop. Sy beeld van 6 voet by 4 voet is deur Édouard Manet geskilder en is vandag 'n geliefde deel van die Norton Simon Museum-versameling in Pasadena, Kalifornië. Maar Le Chiffonnier, of Die Ragpicker, het 'n moderne kunsbewaringsverhaal wat die wetenskap en tegnologie van chemie, ingenieurswese, materiaal, fisika en lig insluit - plus duisende watte wat die skildery in 'n nuwe lig bring.

Die groot probleem was 'n onvanpaste verniswerk. Destyds het Manet geskilder Die Ragpicker, dit was die gebruik om 'n natuurlike harsverf op skilderye aan te bring om 'n glansende afwerking te gee. Selfs die 500-jarige Mona Lisa het vernis oor da Vinci se verf aangebring. Maar iewers in die lewe van Die Ragpicker, 'n dik sintetiese vernis, of verskeie daarvan, is aangebring om die skildery op te helder en aantrekliker te maak.

Die Ragpicker voor behandeling. © Die J. Paul Getty Museum.

Maar vernis word kleur namate hulle ouer word, en deur die jare het die skildery 'n mis gekry wat Manet se skildertegniek saam met die kleure en besonderhede verberg het. In 2017 werk die Norton Simon saam met die J. Paul Getty Museum in Los Angeles om dit te bewaar Die Ragpicker as deel van 'n projek om drie Manet -skilderye te verfris. Die Ragpicker was in die ergste toestand. Dit sou ses maande se gedetailleerde ondersoek met behulp van 'n verskeidenheid tegnologieë neem om te ontdek wat die kwessies was en besluit oor 'n gepaste proses om die skildery te bewaar, gevolg deur nog ses maande om die bewaringswerk te doen. Boonop is verborge geheime in die skildery gevind.

Devi Ormond, mede -konservator van skilderkuns by die Getty -museum, was deel van die span van die Norton Simon- en Getty -museums wat die taak aangepak het om die bekommerde skildery te bewaar. Sy het as sewejarige geïnteresseerd geraak in skilderye toe 'n veiligheidswag by die Louvre vir haar gesê het om nie aan 'n Van Gogh-skildery te raak nie. As tiener het sy gefassineer geraak met 'n dokumentêr oor die herstel van die Sixtynse Kapel en gedink "wat 'n ongelooflike werk sou dit wees om so nou met oppervlaktes te werk - en daarvoor betaal te word."

Die eerste tegniese hulpmiddel wat by die Norton Simon gebruik is, was 'n ultraviolet (UV) swart lig flitslamp wat soortgelyk is aan dié wat op misdaadtonele gebruik word om leidrade soos bloedspatsels te soek. Geen bloed is gevind nie, maar wat die span gesien het, dui daarop dat die boonste vernis baie dik is en moontlike probleme met die oorspronklike verf veroorsaak. Dit was genoeg bewyse om te stuur Die Ragpicker na die Getty's Paintings Conservation Department vir 'n professionele tegniese ondersoek met behulp van verskillende tipes beligting en toetse.

/> Die verfmonstertoets toon die vernis wat by die oorspronklike verf - die swart kolletjies - en die laagstruktuur meng. Dit word in UV -lig geneem en het 'n vergroting van x100. © Die J. Paul Getty Museum.

'Soos hulle sê, 'n beeld spreek duisend woorde,' het Ormond gesê. 'Iemand in Frankryk wat na hierdie skildery kyk en dan na die UV -beeld kyk, kan die kwessies sonder taalhindernis interpreteer. Onder UV -lig fluoreer verskillende vernis byvoorbeeld anders. Natuurlike vernis gloei groen en sintetiese vernis gloei blou. Ons kon sien dat die blou fluoressensie van die sintetiese vernis 'n probleem was. Die skildery is daarna in infrarooi lig ondersoek, wat 'n paar van die ou skade en retouchering van vorige restaurateurs getoon het.

Die volgende toets was 'n X-straal wat gehelp het om die skildery en die komposisie van Manet te verstaan, insluitend dinge wat hy verander of weggesteek het. Die stillewe aan die onderkant van die skildery was byvoorbeeld oorspronklik groter en Manet oor gedeeltes met 'n grysbruin verf geverf. Die staf wat die ragpicker bevat, is vertikaal, maar die röntgenfoto het getoon dat dit oorspronklik in 'n meer diagonale hoek geverf is. Daar was ook swart merke in die ragpicker se gesig wat dui op dunner verf. Volgens Ormond is dit tipies van Manet, aangesien hy gereeld veranderinge aangebring het deur droë verf af te skraap.

"Al hierdie tegnieke gee ons 'n idee van die toestand van die skildery, wat beteken dat u nie blind word voordat u die skildery begin behandel nie, maar u word ingelig oor die toestand van die werk," het Ormond gesê.

Maar hulle moes dieper gaan om die oplosbaarheid van die vernis te verstaan ​​en te toets. Van die rand van die skildery is 'n byna mikroskopiese monster van die vernis en verf geneem en met 'n resolusie van 500x ondersoek. Hierdie klein monster toon die lae van die vernis en verf en ontbloot die vermenging van die vernis met oorspronklike verfdeeltjies. Namate die materiaal van kunstenaars verander, verander die aard daarvan ook. Alhoewel hulle oorspronklik 'n sagte tekstuur het, kan die oplosmiddels in die verf op verskillende snelhede en vlakke droog word en kan dit mikroskopies (of meer) kraak. Dit is 'n opening waar vernis diep in die verf kan sak.

Die Ragpicker onder X-straal wat die personeel en stillewe wys. © Die J. Paul Getty Museum.

'Dit is soos om deur 'n koek te sny; ons sien al die lae van die skildery,' sê Ormond. 'Ons het die blou floressensie van die vernis gesien en hoe dit in die verflae ingaan en die deeltjies van die pigmente - klein swart kolletjies - gesien wat ons 'n aanduiding gegee het van hoe diep die vernis in die verf ingedring het.

Uit die toetse is besluit dat die volledige verwydering van die vernis ook die oorspronklike verf en skade sal verwyder Die Ragpicker as gevolg van die interaksie tussen verf en vernis. Die doel was om die vernis genoeg te dun om die kwaswerk bloot te stel, ou skade in te vul en dit te retoucheer.

Nou kom moderne oplosmiddels wat die hulpmiddel is om lak te verwyder wat verfstrepe en oorspronklike verf verkleur en verberg. Ormond het 'n reeks kombinasies van oplosmiddels gemaak en toetse uitgevoer met watte om die oplosbaarheid van die oppervlaklaag vas te stel. Sy het klein oppervlaktes aan die rand van die skildery getoets, maar ook op die hoofafdelings vanweë die verskillende oplosbaarheid van verfkleure en hoe dit op oplosmiddels reageer.

Detail van die boonste gedeelte van die skildery wat in UV -lig geneem is, met die vernis wat in die regter boonste hoek verdun is. © Die J. Paul Getty Museum.

'Dit is die moeite werd om toetse te doen op die agtergrond, die donkerder kleure, die ligter kleure, die blou, die geel, die setperke. . . U doen dus klein, klein toetse om 'n goeie oorsig te kry, 'het Ormond gesê. "Sodra u die oplosmiddel gevestig het en iets gevind het wat die oppervlakbedekking verwyder sonder om die verflaag te beskadig, begin u skoonmaak met klein deppers en doop dit in die oplosmiddel en pas dit baie versigtig op die oppervlak aan totdat dit die vernis begin verwyder."

Selfs die watte is 'n wetenskap. Die deppermateriaal is suiwer watte en die konservators trek 'n stuk van 'n tuff af en draai dit om die punt van 'n lang houtstok. Deur self deppers te maak, ken hulle die inhoud van die wol en elimineer hulle die moontlikhede van materiale soos korrel of klein stukkies hout in die katoen wat die oppervlak kan krap. Elke depper word ongeveer 'n half duim van die skildery gebruik, en hier is die ervaring van die konservator.

'Ondervinding is baie groot in skoonmaak,' het Ormond gesê. 'Konserwators moet verstaan ​​hoeveel vernis daar is, hoe maklik die oplosbaar is. . . hoe die depper optree, verstaan ​​met u hand die oppervlak wat verander as u die oplosmiddel aanwend, en evalueer u depper om vinnig of stadig vernis te verwyder, selfs om te bepaal of dit in die vernis vassteek. ”

Dit het Ormond ses maande geneem om die eerste laag vernis met duisende deppers en vergrootglas te verwyder om die besonderhede te sien. Deur op klein besonderhede te fokus, moes sy gereeld terugstap en kyk wat haar werk aan die skildery doen. Vir al die betrokke wetenskap, Die Ragpicker is 'n skildery nie 'n wetenskaplike voorwerp nie.

'U wil die samehang hê van die beeld wat oorspronklik deur die kunstenaar geskilder is,' het Ormond gesê. “My mentor’s key advice was ‘do not ever forget what it is that you are working on. It’s a painting’. . . Even though you want to get a pristine surface, it’s not worth damaging any original paint to get that.”

The Ragpicker in ultra violet light. © The J. Paul Getty Museum.

It was a challenging process where Ormond worked closely with the Scientists at the Getty Conservation institute to fully understand what had happened to the painting. Along with carefully thinning the old varnish, she also had to work around or repair past conservation techniques that did not have the advantage of current technology.

Today’s modern technology was a literal lifesaver for The Ragpicker. Many paintings have suffered from past conservation attempts. Byvoorbeeld, die Mona Lisa had a spirits wash in 1809 that is now believed to have removed the top layer of paint, and over time the layers of varnish have given the painting a darker tone. Current conservation is involved around monitoring the painting’s environment to save La Joconde from any more damage.

But once finished, The Ragpicker took on a new life that honours Manet’s painting, his style and his original colours. It required today’s conservation technology and experts like Ormond and the team at the Getty and the Norton Simon to do the work that brings back as much light as possible to Manet’s ragpicker image.

See The Ragpicker at the Norton Simon Museum when it reopens mid-May.


Postponed due to Covid-19, Yoshitomo Nara’s I Forgot Their Names and Often Can’t Remember Their Faces but Remember Their Voices Well will debut at Dallas Contemporary on March 20. A leader of the Superflat movement, Nara traveled to Texas to install a monumental museum show — his first museum solo in the state — at the Design District museum. The exhibit will be on display until August 22.

(For more on the exhibit, see PaperCity‘s exclusive interview with Dallas Contemporary adjunct curator Pedro Alonzo.)

Explore 󈨔s fashion at Galleria Dallas’ newest art exhibit “She’s Got the Look: Fashion from the 󈨔s.” (Courtesy of Galleria Dallas)

'It's not about shock value': Russian artist skins, eats and performs sex acts on dead animals in the name of art

Petr Davydtchenko stands on a balcony overlooking the Umbrian countryside and deftly skins and dismembers a dead cat. He is in Italy for the opening of his solo exhibition Millennium Worm at the Palazzo Lucarini Contemporary in Trevi.

For the past three years, the Russian artist has been living exclusively off roadkill in an attempt to pursue a “semi-autonomous and non-governed way of life”.

Davydtchenko presents his gruesome art practice mainly through video installations. One film shows an owl lying on the side of a road unable to move, another features Davydtchenko picking up a dead rat off the ground and devouring it raw.

Animal hides are also on show in his exhibition, stretched over geometric sculptures or laid out on the floor. Alongside these is a stack of boxes, meant to represent the archive that Davydtchenko keeps at The Foundry in Maubourget, France—an artists’ residence run by the art organisation a/political, and where Dyavydtchenko has been living since 2016.

In his archive Davydtchenko preserves and stores animal parts in freezers, some of which he later thaws and eats. He also keeps a digital archive of the time, condition and GPS locations of his roadside findings, along with texts such as cooking recipes and preparation techniques. These recordings, he says, function as a diary which charts his transformation over the three years since he began living “parallel to modernity”.

"I just wanted to show that it was possible to exist alternatively, and to show that there are other options", Davydtchenko says. His work grew out of an interest in cryptocurrencies, which he saw as an alternative to mainstream economic systems.

Davydtchenko says that he does not live entirely “off-the-grid”, and uses modern technology to document his journey and importantly, relies on the destruction created by modern machinery to produce the roadkill that he feeds on.

Becky Haghpanah-Sherwin, the director of a/political, says the project was not necessarily created with the intention of being shown as an exhibition. "The Foundry", she says, “is a place of experimentation away from the art market that Petr used as a space to transition into a way of life. Nevertheless, it is often visited by people in the art world, who take interest in Petr’s work”.

Davydtchenko says his work is not performance art. “This is how I live, I eat cats where I live, now having been invited to Italy, I eat cats here. This is my way of existing.”

Not all the roadkill Davydtchenko finds is used to sustain his life, however. One six-minute video in the exhibition contains footage of the artist repeatedly inserting his penis into a dead fox’s mouth, in the corner of the frame is the Fox News logo.

The exhibition’s curator Maurizio Coccia says he is not "interested in shock value”, nor is Davydtchenko. The use of each animal has a symbolic meaning, he says, and Davytchenko’s actions in this video “relate to capitalism and media censorship, to the deepest and darkest roots of the human species”.

At the exhibition opening, Davydtchenko offered visitors a taste of a porcupine that he has slow-cooked, and whose hide and quills are displayed in one of the Palazzo Lucarini's rooms. He hopes his next project will be a pop-up restaurant serving roadkill to the public.

The greatest challenge of his practice is not the isolation of this “parallel world”—he prefers existing somewhat separated from society—but readjusting into the “big world” for events like this exhibition opening, Davydtchenko says.

Opening a restaurant will naturally mean inviting crowds of people back into his life, but Petr wants to stay hidden in the kitchen, focusing on his goal of achieving “three Michelin stars for cooking donkey penis”.


Umm, Prince Charles Is an Artist𠅊nd His Paintings Are Surprisingly Impressive

Considering ourselves (somewhat) experts of the royal family, we&rsquod like to believe we know all there is to know about the talents each family member possesses: Meghan Markle and her calligraphy skills, Kate Middleton as an amateur photographer, Queen Elizabeth is an accomplished equestrian. But it turns out that Prince Charles is full of surprises.

Not only does he play the cello, but we just learned that the Prince of Wales is also quite a skilled painter. According to a recent Clarance House Instagram Story, the 71-year-old royal is an &ldquoexperienced watercolorist.&rdquo This news doesn't come as a huge surprise, considering he is Patron of the Arts.

As it turns out, it was Charles's childhood &ldquosurrounded by art&rdquo that sparked his passion for painting. He draws inspiration from natural landscapes across the U.K., as well as from his travels abroad, often painting sceneries of places he has visited. His favorite thing to paint, however, is the surrounding areas of Queen Elizabeth&rsquos Balmoral estate.

Related Videos

In fact, a handful of his pieces have even been put on display in the Drawings Gallery of Windsor Castle since his first exhibition in 1977.

Per Insider, he also made more than $2.5 million from the sales of copies of his watercolors from 1997 to 2016, making him one of the country's best-selling living artists. Of course, all of the profits are donated to The Prince of Wales's Charitable Fund.

To see some of Charles&rsquos most famous paintings (and a shot of the prince in action), visit here.


Kyk die video: Underworld - Two Months Off Live @ Loveparade 2008 HD (Augustus 2022).